La jornada internacional «Arte en movimiento» convierte LCI Barcelona en punto de encuentro del sector de la animación

Nuestro campus fue escenario de la jornada internacional «Arte en movimiento: Animación, Educación y Prácticas Contemporáneas», que organizamos conjuntamente con el Departamento de Artes y Conservación-Restauración de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona. El encuentro, celebrado en la Sala Montreal, reunió a investigadores, docentes y artistas en torno a la imagen gráfica y audiovisual en movimiento como herramienta de creación, educación e investigación en el ámbito del arte contemporáneo.

Tras una presentación a cargo de Carme Porta y Vicent Matamoros, la jornada se articuló en dos bloques de ponencias. El primero, dedicado a la animación y la imagen en movimiento, incluyó las intervenciones de Marta Lafuente, Izabela Plucińska, David Carretero (responsable de nuestra área de Videojuegos, Animación y VFX) y Alba Giménez Gil (coordinadora de Investigación de LCI).

El segundo bloque, centrado en la performance, la pintura y el registro audiovisual, reunió a Rafael Romero, Piotr Perski y Lydia De Casademunt Porta y concluyó con una mesa redonda de preguntas y respuestas. Por la tarde, la jornada culminó con una masterclass de dos horas a cargo de Izabela Plucińska. La coordinación del evento corrió a cargo del docente y artista Piotr Perski y David Carretero.

El encuentro contó con la colaboración de los grupos de innovación docente M.I.M.A. y Pulchrum, así como del Consulado General de la República de Polonia en Barcelona y el Instituto Polaco de Cultura de Madrid. A la jornada asistió Ilona Kałdońska, cónsul de Polonia en Barcelona, que fue recibida por nuestra directora general Sílvia Viudas, la directora académica Miljana Micovic y los coordinadores del evento.

Entrevista con Izabela Plucińska

Una de las figuras más destacadas de la jornada fue la cineasta y guionista polaca Izabela Plucińska, reconocida internacionalmente por su trabajo con la animación de plastilina. Además de su ponencia matinal, impartió una masterclass por la tarde en la que compartió su proceso creativo con los participantes. Tuvimos la oportunidad de hablar con ella sobre su práctica artística y su experiencia durante la jornada:

Tu trabajo combina la animación con técnicas muy táctiles y materiales, especialmente la animación en plastilina. ¿Qué te atrajo inicialmente a este medio y qué posibilidades ofrece que otras técnicas de animación no tienen?

Lo que me atrajo inicialmente de la animación en plastilina fue su fisicidad y el contacto directo con el material. Me fascinaba la idea de poder tocar literalmente la imagen, darle forma con las manos y verla transformarse fotograma a fotograma. A diferencia de la animación digital, donde muchos procesos ocurren en pantalla, aquí cada movimiento deja una huella real y material. Esta técnica ofrece una libertad muy especial a la hora de crear emociones y atmósfera. El material mismo empieza a «actuar»: su textura, su peso y la forma en que se deforma influyen en la narrativa. Por eso la imagen se siente más orgánica y a veces imprevisible, y el proceso creativo conduce a menudo a descubrimientos que no se pueden planificar de antemano.

Durante tu masterclass compartiste tu proceso creativo y la forma en que construyes narrativas a través del movimiento y el material. ¿Cuáles eran las ideas clave que querías que los asistentes se llevaran de la sesión?

Una de las ideas más importantes que quería transmitir era que la técnica no debe ser nunca un fin en sí misma, sino una herramienta para contar una historia y expresar emociones. Otro mensaje clave fue la importancia de la experimentación y la apertura al azar. En animación, algunas de las soluciones más interesantes aparecen cuando algo no sale exactamente como estaba previsto. Animé a los participantes a explorar diferentes materiales, combinar técnicas y permitirse una cierta espontaneidad en el proceso creativo.

Algunos de los asistentes eran estudiantes de animación. ¿Qué consejo darías a los jóvenes animadores que están empezando a desarrollar su propia voz artística?

Mi primer consejo sería que fueran pacientes con su propio proceso creativo. Encontrar la voz artística lleva tiempo y muchos experimentos. Es importante probar diferentes técnicas, temáticas y formas, porque a menudo algo muy personal surge precisamente de esa exploración.

También animaría a los jóvenes artistas a ser valientes a la hora de contar historias que realmente les importen. Las películas más poderosas suelen surgir de experiencias o emociones muy personales.

Y, por último, diría: intentad no compararos demasiado con los demás. La inspiración es importante, pero cada artista se desarrolla a su propio ritmo. Lo más importante es mantenerse curioso y seguir trabajando de forma constante en la propia voz.

¿Qué impresión te llevas de nuestro entorno creativo?

Para mí, el encuentro con los estudiantes es siempre un proceso bidireccional. Por supuesto, comparto mi experiencia, pero al mismo tiempo recibo mucha energía de sus perspectivas frescas y de su valentía para pensar de forma diferente sobre las imágenes y la narración. Espero que mi presentación sobre la Academia de Arte de Szczecin y mi trabajo haya resultado interesante. Quizás inspire a algunos estudiantes a participar en un intercambio Erasmus.

Es en estos encuentros donde nacen las nuevas ideas. Recientemente tuvimos la inauguración de la exposición polaco-germano-checa de marionetas y escenografía de animación, ANIMATEIA. Algún día me encantaría traer esta exposición a Barcelona y también mostrar las marionetas creadas por estudiantes y artistas de allí.

Muchas gracias a los organizadores de LCI Barcelona y, especialmente, a Piotr Perski por la idea y la invitación.

Este encuentro reafirma nuestro compromiso con la investigación, la innovación pedagógica y el diálogo entre educación y práctica artística contemporánea.